꼭 필요한 것 만드는 일처럼어머니와 어머니의 어머니가 그러셨듯이 생활하다가 필요한 것을 만들 듯, 예술적 영감이 흘러나오면 나오는대로 표현하는 데 몰두했다는 남영희 작가. 물론 아이들 입히려 정성들여 설빔 짓는 마음으로 작업을 이어왔다. 그리고 무엇보다 우리 종이의 평면위에 그 만의 예술의 신성한 가치를 구현해 왔다는 점이 이채롭다.“전쟁 중 허물어져 가는 흙 담에 덮여져 있던 횃대보(벽에 걸어 논 옷들을 가리는 커다란 보자기 천)처럼 그 시대를 살다간 조그만 인간의 단상이 얼마나 진실한지. 뭐 그리 대단한 것은 아니라고, 그저 지

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작가 본래 만들었던 도시(City)시리즈 기법을 십자가에 덧입힌 작품들이 자신만의 스타일을 가장 잘 나타낸다. 거친 흙의 질감과 모노톤 색상은 적막하고 고단한 도시생활을 떠올린다. 여기에 자르고 덧입히고 눌러 찍기를 반복하며 재구성한 형상은 고단한 삶으로부터 구원을 갈구하는 현대인의 십자가를 대변한다,(전지나 홍익대 도예연구센터 연구원)전 연구원은 최근 전시회에 나온 작품을 두고 도자와 유리의 조화를 추구한 것에 주목했다.최근 도자작가들 사이에서 두 재료의 결합을 시도했다가 각광받지 못하는 경우가 많았던 까닭은 도자와 유리의 성질이

미술에서 요구되는 창작이란 남과 다른 조형언어 및 어법을 추구하는 일이다. 어쩌면 미답의 조형세계를 강구하는 한국의 젊은 작가들이 새삼 전통적인 미술에 관심을 갖게 된 것도 이에 연유하는지 모른다.전인수 작가는 한국의 오랜 전통미술 재료의 하나인 옻칠을 재료로 작업한다. 옻칠은 한국의 오랜 전통미술의 한 재료임에도 현대미술이 그 효용성에 시선을 주게 된 것은 극히 최근의 일이다. 따라서 현대미술이 옻칠을 수용하게 된지는 10년 남짓에 불과하다. 신항섭 미술평론가는 “그의 옻칠 작업은 선두그룹에 속하는 셈”이라고 단언한다. “한국 현

“황예숙 작가 작품은 스케일이 방대하고 인간의 본능적 감각을 훌륭하게 소화해 내는 것이 특징이다. 대표작품으로 여주 영월루에 있는 높이 160cm, 길이 40m에 달하는 세종대왕기록도자벽화와 옛 여주대교인 연인교에 예술성을 발휘했다.” (2004년 9월 한 일간지 기사)“내 작업이 특별한 의미나 개념을 담고 있는 것은 아니다. 사람들이 편리하게 쓰기보다는 즐기면서 쓰기를 바란다. 예를 들어 접시 위에 음식이 놓여 있지 않더라도 접시 그 자체만으로 사람들에게 재미와 즐거움을 줄 수 있다. 그런 부분을 제대로 찾아내고 느낄 줄 아는 사

“젊은 날 나는 예술이 형이상학의 산물로만 생각했던 적이 있었다. 자연으로 돌아와서 장황했던 나의 예술 이야기는 변화하기 시작했다”는 김영리 작가. 자연을 알게 되고 이 넓은 대지위 생동하는 생태계를 체험하면서 지치고 병들었던 자아를 내려놓는 법을 배웠다고 한다. 작품에도 등장하는 ‘도시로 간 부엉이’는 경쟁과 배척, 그리고 적자생존의 냉혹무비함으로 가득찬 나머지 존재가치를 보호받지 못하는 불행하고 고독한 존재들로 넘쳐나는 ‘탈출구’ 없는 연옥임을 깨닫기에 이른다. 천만 다행인 것은 그림에 몰두할 줄 아는 열정적 부엉이였던 것. 1

첫 느낌부터 우아함이 물씬 풍기는 보따리가 범상할 리 없는 공간에 자리해 있다. 오래된 공단 이불 한 자락이나 한복 한 벌을 짓고 남은 자투리를 잘라 만든 것처럼 보이면 보이는 대로, 아예 처음부터 정성을 담뿍 담으려 귀한 비단으로 지어 낸 태가 물씬 드러난다. 분명히 ‘보따리’로 매듭지어 놓은 정물인데, 풀어보지 않고서도 숱한 설화와 사연이 이토록 농밀하게 담겨 있음을 저절로 드러내 보일 줄이야.작가 김시현에게도 자신의 오리지널리티를 찾아가는 과정이 있었다. 사이미술연구소 이승훈 소장은 “이 과정에서 한국적이고 여성적인 상징물로서

지난 1월 22일부터 2월 9일까지 미국 워싱턴에서 처음이며 통산 일곱 번째인 개인전으로 현지에서 높은 관심을 불러일으켰던 윤현경 도예가.‘왜 아이 웨이웨이인가? & 변화하는 선들’이라는 타이틀로 선보인 작품들은 그 동안의 창작활동 흐름을 이으면서도 한 층 더 원숙한 세계를 펼쳤다는 평을 얻었다.“나의 도자 작업은 자연물의 이미지에서 발견되는 선(線)의 어울림으로 표현한 것”이라는 설명에서 그의 창작혼은 더욱 농익고 있음을 짐작케 한다. 무궁무진한 다양성을 뿜어내는 선묘(線描) 작업이 회화작품이나 다른 장르가 아닌 도자예술세계에서

아티스트 한 호가 추구하는 작업은 빛에 근원을 두고 있다. 빛만이 물질이며 우주 또는 천체이고, 인간이 본능적으로 갖게 될 희망을 전달하는 메신저가 된다.한 호의 작품에서 하늘과 땅이 만나는 부분을 표현할 때에는, 주로 대규모의 멀티미디어를 사용한 설치작업 방식을 취하며, 그 규모와 인상은 매우 강렬하다. 무수한 반짝임, 존재의 근원어린이는 자신이 바라보는 것에 대하여 전혀 의심을 갖지 않는다. 어린 시절 한 호는 바다와 산 사이를 흐르는 마을의 냇물 표면 위 반짝임을 바라본다. 이러한 마법의 순간은 인간의 정신적 사유에서 작용하는

일찍이 핸리 마티스와 클라우드 모네의 영향을 받았고 색과 색으로 감성과 감각을 표현하던 젊은 작가는 자신의 그림을 ‘보는 음악’이고 싶어했다. 색과 형과 선으로 구성한 멜로디, 리듬, 하모니가 어우러지는 세계를 표현하려 애썼다.한창 때이던 약 20년 전 정경자 작가는 자신의 미술에 대해 이렇게 적고 있다. “모네의 부드러운 색채, 마티스의 명쾌한 색과 선이 주는 소박한 즐거움은 언제나 나에게 감동을 준다”고 그리고 “나의 작업이 구상과 半구상 형체의 서정시로 표출되었다면 이제부터 암중모색은 장엄한 서사시 현대적 표제음악으로 끝없는

몹시 그리운 詩語 유년의 부재“어른들은 어린아이를 경유해왔다. 그래서 어른들 속엔 여전히 어린아이가 살고 있다. 그러나 그 어린아이는 부재하는(부재로써 존재하는) 만큼, 어른이 어린아이를 되불러온다는 것은 곧 부재하는 존재와 시절을 그리워한다는 것이다. 그 존재방식이 부재인 만큼 그리움을 되불러오는 시제 역시 과거시제를 취한다(모든 그리움은 부재에 대한 그리움이며, 과거를 향한 그리움이다). 그래서 작가의 그림엔 , , , , 등의 과거를 암시하는 제목이 많다

“깊은 자연이다. 도로로부터 멀찍이 벗어나 안으로 들어와 안착된 이 집은 수려한 자연의 품안에 고즈넉이 엎드려있다. 울창한 숲과 높이 솟은 나무 작은 계곡에서 물 흐르는 소리가 귓가에 달려 들린다. 서늘한 기운에 청량함이 더한다. 적막함도 따라 붙는다. 주변을 둘러싼 큰 나무들을 고스란히 살린 체 그 사이에 조심스레 위치한 집·작업실에서 작가는 숲을 그린다. 이 집 주인의 마음이 읽히는 건축이다.” 미술평론가 박영택(경기대교수)박 평론가는 자연과 공생하고 조화를 이루려는 생태학적 배려 안에서 움튼 것이라고 봤다. 옛 선인들의 건축과

1984년 첫 개인전 이래 여덟 번째 개인전이 2005년 열렸고 다시 아홉 번째 개인전을 2011년 열었던 조여주 작가. 예술창작의 세계에서 원숙미의 경계란 무한대임을 증명해 준 사례로 보기에 충분해 보인다. 미술사가 김정희 교수(서울대 미대)는 조여주 작가 작품세계를 두고 처음에는 자연이, 1995년부터는 빛이 주제였다고 크게 구분 지어 설명한다. 자의식 짙었던 때 극단적 대비조 작가는 첫 개인전 도록의 글에서 “자연은 푸르고 투명한 깊이로 저만치에 앉아 있다”고 쓰면서 “투명하게, 푸르게 살고 싶다는 생각을 하며 작업했다”고 고

“나는 그리지 않는다. 다만 스며들고 또 드러날 뿐이다.”김경복 작가 본인 스스로 작품론을 쓴다면 이 말 한마디면 족할 것임이 틀림 없다. 추상도 아니고 구상도 아닌, 어떤 회화적 이념이나 특정 경향에 얽매이거나 거기에 적응시킴이란 어울리지 않는다. “나의 느낌, 삶의 체험 그리고 회화를 향한 열정을 지극히 자연스럽게 화면에 옮겨 놓을 따름”이라는 것이다.‘자동 기술적’이거나 무의식이거나 우연적 표현 요소들이 반복과 중첩을 거듭한 끝에 초현실적 형상으로 드러내기를 즐겨 하다. 삶의 희로애락 주목했던 시절작가노트에서 그는 대학원 졸업

오직 그림만이 작가와 관객을 잇는 통로일 때, 생활 속에서 일상적으로 접했던 이야기나 이미지가 아니라 꿈이나 다름없거나 상상 가득한 초현실 세계가 펼쳐진다면 어떨까. 김영자 화백의 그림은 굉장히 상징적이고 함축적이다. 그가 재구성 하는 이야기는 서사적으로 설명되거나 직설적으로 전달되는 것과는 애초부터 거리가 멀다.시각적 이미지들을 조합해 어떤 특정한 스토리를 전하려는 의도 또한 없다. 단지 김 화백의 그림을 보는 사람 스스로 한 올 한 올 풀려나오기 시작한 감정을 어느새 엮어가다 저절로 창조할 수 있도록 이끈다. 꿈에서 만나는 그리

김회숙 작가파리의 이방인 김회숙 작가꿈·현실·시간 ‘빛의 도시’화려한 전통도시 파리에서의 삶에 지칠수록 붓 작업을 위안 삼아 과거와 미래, 꿈과 현실의 부조화를 그렸다. 화려함 뒤에 감춰진 도시의 진면목을 형상화 했고 자연에 대한 그리움과 향수를 꽃과 정물에 집약해 환상적 구도를 그려낸다. 리치에서는 현재 프랑스에서 왕성한 활동을 하고 있는 재불작가 김회숙을 직접 만났다.첫 발 디딜 무렵만 해도 화려하며 전통과 예술로 이름난 도시 파리는 “내 눈에 멋진 도시로 가슴을 두근 거리게 만드는 도시”였다고 한다.그런 ‘빛의 도시’에 살다보

김 령 작가‘生의 환타지아’ 추구 김 령 작가 삶의 숱한 미립자 ‘꽃’으로 피다삶은 동심원이며 작은 감정의 알갱이들이 모여 이뤄지나니 그래서 한 알 한 알 비즈알갱이로 표현했다고 한다. 싹트고 피며 열매와 씨앗을 남기고 떠나는 꽃의 명멸에 투영시킨 삶과 우주, 인간과 자연이 어우러진 ‘환타지아’가 구축한 미학세계. 우리나라 최초 남성 누드를 그린 김령 작가만의 독창적 아름다움은 우리 심상을 다채로운 비즈의 색채 속으로 빨아들인다. 리치에서 그의 작품세계를 엿봤다.“예술과 삶, 자연과 인간은 이분법으로 나눠진 것이 아니므로 독립된 개

서정성 깊은 색채언어로 반추상 이미지를 형상해온 강승애 작가의 작품세계가 근래 들어 훨씬 원숙미를 더하고 있다. 병마를 물리치는 과정에서 생명에 깃든 신의 은총과 축복을 절감한 뒤 ‘비움’으로써 평화화 사랑, 희망이 더 큰 충만을 이룰 수 있었던 것이리라. 어떤 테마를 선택하든 풍부한 상징성을 바탕 삼아 온화하고 운치 있는 색채를 통해서 서두름 없이 넉넉히 풀어내는 화풍으로 이름만 강승애 작가.자신만의 조형세계 심화과정을 16번에 걸친 개인전에서 유감 없이 입증한 바 있는데 올해 3월 17번 째 전시회는 더욱 특별했다. 작품들의 판

시각예술로서 회화에 생명력을 불어 넣기 위해 육신의 눈과 가슴의 눈 그리고 이상의 눈을 함께 떠서 총체성을 확보한다. 한 없이 섬세한 채색을 거듭한 끝에 신선하고 활기 넘치는 화풍으로 강렬한 색조로 정연갑 작가는 자연세계를 재구성한다. 끝 없는 명멸, 모든 존재가 표현하는 기호와 소리는 결국 우리 영혼의 무욕과 평화로움을 지향한다. 끝없는 환생과 평화, 자연을 담다“정 연갑은 숲에 비추어 드는 햇빛을 표현하듯 인간의 감정을 잠재우는 내적 평화를 꿈꾼다. 그가 원하는 자연은 해부하고 분석하는 편협한 시각이나 현학적 시각이 아닌 해독제

예년보다 더위가 일찍 찾아오는 바람에 봄과 여름의 경계가 지워진 대신 장미 꽃의 절정기가 더욱 활짝 열렸다. 장미 하면 떠오르는 화가 황수미 작가의 작품세계가 새삼 부각되는 계절이다. 황 작가는 장미 그림의 극의를 추구하는 동시에 동서양 장신구의 아름다움을 함께 아우르는 전시회를 여는 등 독창적인 작품세계를 굳건히 창조하고 있다. 초여름 무렵이면 자태를 여지 없이 드러내는 장미의 신선한 색깔과 다채로운 표정에 반해 수 없이 그리고 언제나 새로운 기법으로 화폭에 담아 온 황수미 작가. 장미 그림에 몰두하기 시작한 초기엔 극사실주의에